acoustic alchemy

acoustic alchemyEste grupo é uma delícia para os ouvidos. 'Acoustic Alchemy' é um grupo instrumental contemporâneo britânico de smooth jazz ou jazz contemporâneo, que é um desdobramento natural do fusion, que dominou a cena do jazz durante os anos 70, é um dos gêneros que mais cresce dentro do jazz e apesar de ser odiado pelos puristas, o smooth jazz tem nomes de peso entre seus seguidores. 'Acoustic Alchemy' foi formado em 1981, e surgido como um dueto acústico de violões, muito bem tocados, tendo a frente os violonistas Nick Webb, que faleceu de câncer no pâncreas, em 1998, aos 43 anos, e Simon James, encarregando-se de solos e bases. Durante o ano de 1980, houve uma pequena audiência para essa forma de música no Reino Unido e os grandes músicos do gênero eram todos norte-americanos. O som de dois violões duelando com Simon James no violão de nylon e Nick Webb no violão de aço deu um toque sofisticado ao gênero, muitas vezes acompanhados com percussão e um contrabaixo. Ocasionalmente acompanhados pelo quarteto de cordas ‘The Violettes’. James deixou a parceria para estudar guitarra flamenca na Espanha, deixando Webb para promover o disco de estréia e na década de 90 ele formou ‘Kymaera’, um grupo semelhante. Em 1985, Nick Webb descobriu Greg Carmichael, um guitarrista londrino que veio a se tornar o sucessor de James.

acoustic alchemy - nick webb & simon jamesAmbos cresceram na Inglaterra durante os anos 60 ouvindo pop e rock, embora Webb estudasse guitarra jazz no ‘Leeds College of Music’, enquanto Carmichael estudava violão clássico no ‘London College of Music’. A nova dupla trabalhou inicialmente como banda de bordo nos vôos da ‘Virgin Atlantic’. Seis semanas após o envio do demo para MCA, a banda foi chamada para gravar o álbum de estréia, ‘Red Dust & Spanish Lace’ em 1987. Durante os anos 80 e 90, Nick Webb e Greg Carmichael produziram uma série de álbuns classificados como música contemporânea. O álbum ‘Reference Point’ de 1990 foi nomeado para um Grammy Award. Depois da morte de Nick Webb, Greg Carmichael renovou o grupo e incluiu o baixista Frank Felix, os guitarristas John Parsons e Miles Gilderdale e os tecladistas Terry Disley e Tony White. O álbum ‘The Beautiful Game’ foi o primeiro da nova formação, seguido de ‘Aart’ indicado ao Grammy em 2001. Em 2011, ‘Acoustic Alchemy’ marcou o 30 º aniversário do grupo com o lançamento do álbum ‘Roseland’. Passeando por vários gêneros como flamenco, reggae, bossa nova e new age, o grupo chegou ao topo das paradas com ritmos vivos e melodias contagiantes, recebendo três nomeações Grammy. Sua intrigante e hipnotizante música continuou a crescer e evoluir com os anos, absorvendo diversas influências musicais e continuando a surpreender e agradar fãs e críticos pelo mundo. Atualmente, o grupo é composto por novos instrumentistas dentre eles Anthony White, Greg Grainger e Miles Gilderdale.

acoustic alchemy - greg & gary

Greg Carmichael & Gary Grainger
acoustic alchemy - anthony & milesAnthony White & Miles Gilderdale
acoustic alchemy

acoustic alchemy - casino
(Nick Webb & Simon James)

acoustic alchemy - casino
(Nick Webb & Greg Carmichael)

‘Early Alchemy’ é um álbum de compilação produzido por Nick Webb e é o sexto de ‘Acoustic Alchemy’ lançado em 1992. O álbum foi elaborado a partir de gravações antigas e outtakes de Webb e Simon James, para dar uma idéia sobre a progressão da música da banda. O álbum contém as gravações originais de ‘Sarah Victoria’ e ‘Casino’, sucessos de ‘Acoustic Alchemy’ e compostas por James. O instrumental make-up da banda é também diferente, com o quarteto de cordas ‘The Violettes’.

Acoustic Alchemy - Early Alchemy (1992)

Early Alchemy (1992)

Tracklist
01. Santiago 02. Sarah Victoria 03. Last Summer Song 04. Slap it Down 05. Sira's Song 06. Moonstone 07. Wind It Up 08. Casino 09. Little Bercheres 10. Amanece 11. Waiting for You 12. Return Flight 13. Daybreak 14. A Dream of Fair Women

O novo ‘Acoustic Alchemy’ tendo Greg Carmichael como parceiro de Nick Webb é extremamente emotivo. Há algo mais íntimo sobre a maneira de Carmichael e Webb interagirem; uma união de verdadeiras almas gêmeas musicais. Esta compilação contém 16 músicas escolhidas por seu gerente, Stewart Coxhead, que inteligentemente escolheu entre as favoritas dos fãs. Por quase 25 anos, ‘Acoustic Alchemy’ abraçou um leque de estilos musicais que vão do jazz ao folk. Nas duas décadas e meia desde as suas primeiras gravações apesar de um revés trágico e os desafios inerentes da indústria da música do século 21 o grupo seguiu leal às suas origens britânicas.

acoustic alchemy - The Very Best of Acoustic Alchemy (2002)

The Very Best Of (2002)

Tracklist
01. Mr. Chow 02. Catalina Kiss 03. Ariane 04. Jamaica Heartbeat 05. Caravan of Dreams 06. Playing for Time 07. Lazeez 08. The Stone Circle 09. The Alchemist 10. Shoot the Loop 11. Same Road, Same Reason 12. Cool As a Rule 13. Georgia Peach 14. Casino 15. Reference Point 16. Red Dust and Spanish Lace

premiata forneria marconi

premiata forneria marconiO rock progressivo é um estilo que sempre foi visto como algo elitista. Para os jovens é música de velho: chata e enfadonha. E a Itália provou que o rock progressivo não é nada disso, produzindo bandas e excelentes álbuns entre os anos 1971 e 1977, que como as grandes bandas inglesas como 'Yes', 'Emerson Lake and Palmer' e principalmente 'King Krimson' nos brindaram com verdadeiras obras de arte. Pino Favarolo, Teo Teocoli, Franz di Cioccio e Giorgio Piazza (baixo e voz) tocavam em uma banda chamada ‘I Quelli’, e depois se juntaram ao grande Franco Mussida (guitarra e voz) e ao Flavio Premoli (teclados e voz) e formaram a ‘Premiata Forneria Marconi’ ou PFM, banda italiana de rock progressivo que atingiu popularidade nos anos 70, com sucessos tanto nas paradas britânicas quanto americanas. Logo depois entrou para o grupo Mauro Pagani (flauta, violino e voz).

franco mussida O nome da banda foi dado em homenagem a uma padaria da cidade da Brescia. Em 1971 abriram shows para o ‘Yes’ depois para o ‘King Crimson’ e impressionaram o letrista Peter Sinfield, que os apadrinhou. Apesar de compartilhar o estilo com várias outras bandas foram a única banda italiana do gênero a se tornar famosa fora de seu país natal. O primeiro álbum ‘Storia di un Minuto’ mostrou toda a competência e virtuosismo de seus músicos. Os anos pesam até para os artistas, talvez mais para eles do que para nós simples mortais. Franco Mussida, alto e tímido está com artrite, e em certos momentos dos shows pede ao tecladista que estique seus dedos. Mesmo assim, arrasa e comove. Seu domínio do violão clássico já não possui a mesma habilidade, maculada pelos problemas de não ser mais jovem, mas a sensibilidade continua infindável. Ainda brilha com sua guitarra chorosa e o quanto de história da boa música tem debaixo dos cabelos já brancos. Certamente é o amor à música que move a banda. Para os velhinhos do ‘Premiata Forneria Marconi’ a música é uma celebração.

premiata forneria marconi

premiata forneria marconi


premiata forneria marconi - maestro della voce


Premiata Forneria Marconi PFM - Storia di un minuto (1972)    Premiata Forneria Marconi PFM - Per Un Amico (1972)

Storia di un Minuto (1972)    |    Per Un Amico (1972)

Storia di un minuto
01. Introduzione 02. Impressioni di Settembre 03. É Festa 04. Dove... Quando... - (Parte I) 05. Dove... Quando... - (Parte II) 06. La Carrozza di Hans 07. Grazie Davvero

Per Un Amico
01. Appena Un Po’ 02. Generale 03. Per Un Amico 04. Il Banchetto 05. Geranio

Premiata Forneria Marconi - L'Isola Di Niente (1974)    Premiata Forneria Marconi PFM - Chocolate Kings (1975)

L'isola di Niente (1974)    |    Chocolate Kings (1975)

L'Isola di Niente
01. L'Isola di Niente 02. Is My Face on Straight 03. La Luna Nova 04. Dolcissima Maria 05. Via Lumiere

Chocolate Kings
01. From Under 02. Harlequin 03. Chocolate Kings 04. Out On The Roundabout 05. Paper Charms

Premiata Forneria Marconi - photos of ghosts (1973)    Premiata Forneria Marconi - Suonare suonare (1980)

Photos of Ghosts (1973)    |    Suonare Suonare (1980)

Photos of Ghosts
01. River of life 02. Celebration 03. Photos of Ghosts 04. Old rain 05. Il banchetto 06. Mr. 9 till 5 07. Promenade the puzzle

Suonare Suonare
01. Suonare Suonare 02. Volo A Vela 03. Si Può Fare 04. Topolino 05. Maestro Della Voce 06. Sogno Americano 07. Bianco E Nero 08. Tanti Auguri

Premiata Forneria Marconi - www.pfmpfm (1999)

www.pfmpfm.it (1999)
(il best)
CD 1    CD 2

Tracklist: CD 1
01. Andare per andare 02. La carrozza di Hans 03. Maestro della voce 04. Sei 05. Intro 06. Out of a roundabout 07. Mr. 9 till 5 08. Altaloma 5 till 9 / Altaloma ’98 09. Intro + Dove… Quando 10. Il banchetto 11. Dolcissima Maria

Tracklist: CD 2
01. Quartiere 8 (QT8) 02. Intro + Il cavallo di legno 03. Intro + Ulisse 04. Suonare suonare 05. La luna nuova / Four holes in the ground 06. Si può fare 07. E’ festa 08. Impressioni di Settembre 09. Il pescatore

billy paul

billy paul 1Billy Paul, um dos maiores soulman, nasceu Paul Willians e foi criado na Philadelphia. Começou a cantar com apenas 11 anos nas rádios locais graças a um amigo, Bill Cosby. Seu vocal era exercitado e seu estilo tomava forma enquanto escutava os discos que tinha em casa, jóias de 78 rotações, de jazz, soul e pop. Sua mãe tinha uma senhora coleção de Nat King Cole e tratou de educar muito bem os ouvidos do garoto. Para melhorar seu conhecimento Billy foi estudar música. Finalizados os estudos, começou a fazer shows em clubes locais e adotou o nome de Billy Paul. Tornou-se o fenômeno da Philadelphia, fazendo um grande sucesso no underground do jazz. Devido à sua fama, Billy passou a década de 50 e 60 dividindo o palco com figuras lendárias do jazz, soul e do pop. Só por essas parcerias pode-se dizer que ele foi um grande músico. Mas, o big-bang de Paul ainda estava por acontecer. Na década de 70, de fato o big-bang começou com o sucesso retumbante e mundial, que veio com a balada, 'Me and Mrs. Jones', escrita a seis mãos por Paul, Gamble e Huff. A música, que narra a história de um adultério, ficou no topo de todas as paradas de soul por semanas em dezembro de 1972. A polêmica em torno do tema da balada fez com que algumas rádios se recusassem a tocar música com tão imoral tema. Por outro lado, isso fez com que o disco vendesse quase cinco milhões de cópias, e com ela, Billy ganhou o 'Grammy' de melhor vocal masculino em interpretação de soul.

billy paul

billy paul - me and mrs. jones


Billy Paul - Perfil (2002)

Perfil (2002)

Tracklist
01. Me and Mrs. Jones 02. Your song 03. Thanks for saving my life 04. July July July July 05. Let's stay together 06. Let' em in 07. It's too late 08. America (we need the light) 09. Mrs Robinson 10. Sooner or later 11. Black wonders of the world 12. Am I black enough for you 13. Your song (Power Mix) 14. Bring the family back

big mama thornton

big mama thornton'Big Mama' Thornton era uma descendente direta das cantoras de blues clássico Ma Rainey, Bessie Smith, e especialmente Memphis Minnie. Seu nome é um legado e irá permanecer para sempre entre as lendas do blues e por ter influenciado gerações de cantores do blues e do rock como Elvis Presley e Janis Joplin. Willie Mae Thornton nasceu em 1926, em Montgomery, Alabama, e sua introdução à música, como aconteceu com muitas outras lendas, começou na Igreja Batista: seu pai era ministro e sua mãe cantava no coral. ‘Big Mama’ e seus seis irmãos começaram a cantar em uma idade muito precoce. Quando tinha apenas catorze anos abandonou o Alabama após a morte de sua mãe. Em 1948, se estabeleceu em Houston, Texas, onde viveu por alguns anos. Em 1950, Willie Mae com a cantora Little Esther e o cantor Mel Walker se apresentavam em shows organizados pelo líder de banda e empresário Johnny Otis, que também era baterista, pianista, e foi um dos mais importantes personagens brancos da história do rhythm & blues. Os três tornaram-se amigos e foram para New York e apresentaram-se no Teatro Apollo, uma das mais famosas salas de concertos do Harlem. Willie Mae, na abertura, cantou o hit ‘Have Mercy Baby’, entre outros. Ela foi um enorme sucesso e encabeçou o show na noite seguinte. O apelido ‘Big Mama’ veio de alguém após o primeiro show.

De volta a Houston, em 1951, assinou um contrato de cinco anos com Don Robey da gravadora ‘Peacock Records’. Compunha canções, tocava gaita e se apresentava com a banda de Louis Jordan em uma boate onde conheceu músicos famosos como Junior Parker, Lightning Hopkins, Fulson Lowell, e Gatemouth Brown. Todos eles ajudaram a influenciar o seu estilo e ela contribuiu muito para a tradição do blues do Texas. Foi nessa época também que Thornton aprendeu a tocar bateria. Jerry Lieber e Mike Stoller escreveram ‘Hound Dog’ que Big Mama gravou de um lado e no lado B, ‘They Call Me Big Mama’. Vendeu quase dois milhões de cópias e Big Mama recebeu o primeiro cheque de sua vida, no valor de apenas $500. Elvis Presley fez de ‘Hound Dog’, um clássico do rock’n’roll, três anos depois.

Johnny Otis, Big Mama e Don Robey

Johnny Otis, Big Mama e Don Robey

Após o lançamento de ‘Hound Dog’ em 1952, Big Mama Thornton saiu em turnê com alguns de seus velhos amigos, em primeiro lugar com Junior Parker e Johnny Ace em 1953, e depois com Gatemouth Brown em 1956. Mais tarde, ela começou a travestir-se e embora existam rumores de que ela era lésbica, ela nunca quis tocar neste assunto. Após terminar suas turnês, ela deixou Houston em 1960 e se mudou para a área da Baía de San Francisco tocando gaita e bateria em alguns dos clubes locais quando a popularidade do blues começou a declinar. Em 1961, Thornton foi trazida para a ribalta de novo com a música ‘Ball and Chain’. Fato semelhante ao ocorrido com Elvis Presley, ‘Ball and Chain’, mais tarde, se tornou um enorme sucesso nos anos 60 com Janis Joplin.

big mama thornton & buddy guy    big mama thornton & muddy waters

Big Mama Thornton, em 1965, interpretando 'Hound Dog'
acompanhada de Buddy Guy e Muddy Waters

Mas seu estilo rude acabou arrastando-a para o blues elétrico de Chicago, onde foi ‘adotada’ por Muddy Waters. Na canção 'My love', Big Mama é acompanhada pela banda inovadora de Muddy Waters composta por guitarra amplificada, harmônica, piano e bateria. Ao contrário de tornar a música simplesmente mais alta, o uso de amplificadores a tornou mais intensa. Big Mama Thornton participou de dezenas de festivais ao lado dos grandes nomes do gênero, principalmente nos anos 60 e 70. Foi bem recebida em festivais como o ‘Monterey Jazz Festival’, ‘Newport Folk Festival’ e o ‘Ann Arbor Blues Festival’. E também excursionou pela Europa com a ‘American Folk Blues Festival’ em 1964. Em 1979, ela participou do ‘São Francisco Blues Festival’, apesar da saúde debilitada, neste festival a sua apresentação foi o que os críticos chamaram de o desempenho de uma vida.

big mama thornton    big mama thornton

Big Mama Thornton em Los Angeles em 1969 e já bastante debilitada em 1983

Mesmo depois de um grave acidente de carro em 1981, que ela precisou de uma grande cirurgia, e incapaz de andar, ela se apresentou em um cabaré em Pasadena, Califórnia. Em 1984, morreu em uma pensão de Los Angeles, de ataque cardíaco e de cirrose, provavelmente provocadas por anos de alcoolismo. Após uma vida de realizações foi introduzida no ‘Blues Foundation's Hall of Fame’. Em 2000, Big Mama Thornton foi lembrada em um show de dança chamado ‘Sweet Willie Mae’. Andrea E. Woods, que foi a coreógrafa do espetáculo, quis celebrar a liberdade que encontrou na música de Big Mama. Ela também foi parte de uma exposição no Museu da Mulher, em Dallas, e a sua gravação ‘Hound Dog’ toca continuamente em uma sala dedicada aos músicos do sexo feminino. Estas são altas honras para uma mulher que morreu pobre e sozinha. Uma mulher em uma profissão dominada por homens, Big Mama Thornton deixou uma marca indelével no mundo da música com a voz do tamanho do Texas.

big mama thornton - my love

Big Mama Thornton - vocal & gaita
Muddy Waters - guitarra
Ottis Span - piano
James Cotton - gaita
Francis Clay - bateria
Luther Johnson - baixo
Samuel Lowhorn - guitarra



in europe (1965)    Big Mama Thornton - The Original Hound Dog (1990)

In Europe (1965)    |    The Original Hound Dog (1990)

Tracklist: In Europe
01. Black Rat 02. Bumble Bee 03. Down-Home Shakedown 04. Everything Gonna Be Alright 05. Hound Dog 06. I Feel The Way I Feel 07. I'm Feeling Alright 08. Life Goes On 09. Little Red Rooster 10. Looking The World Over 11. My Heavy Road 12. My Love 13. School Boy 14. Session Blues 15. Sometimes I Have A Heartache 16. Sweet Little Angel 17. Swing It On Home 18. Unlucky Girl 19. Your Love Is Where It Ought To Be

Tracklist: The Original Hound Dog
01. Hound dog 02. Walking blues 03. My man called me 04. Cotton picking blues 05. Willie mae's trouble 06. The big change 07. I smell a rat 08. I just can't help myself 09. They call me big mama 10. Hard times 11. I ain't no fool either 12. You don't move me no more 13. Let your tears fall baby 14. I've searched the world over 15. Rock-a-bye baby 16. How come 17. Nightmare 18. Stop a-hoppin' on me 19. Laugh, laugh, laugh 20. Just like a dog 21. The fish 22. Mischievous boogie

big mama thornton - ball n'chain    big mama with muddy waters blues band (1966)

Ball N'Chain (1993)    |    Big Mama Thornton with The Muddy Waters Band (1966)

Tracklist: Ball N'Chain
01. Sweet Little Angel 02. Unlucky Girl 03. Swing It On Home 04. Little Red Rooster 05. Hound Dog 06. Your Love Is Where It Ought To Be 07. School Boy 08. My Heavy Load 09. I'm Feeling Alright 10. Sometimes I Have A Heartache 11. Black Rat 12. Life Goes On 13. Bumble Bee 14. Gimme A Penny 15. Wade In The Water 16. Ball N' Chain

with The Muddy Waters Band
Personnel: Big Mama Thornton (vocal, harmonica na 14,17, bateria na 5); James Cotton (harmonica); Luther ‘Houserocker’ Johnson (baixo); Muddy Waters, Sammy Lawhorn (guitarra); Otis Spann (piano); Francis Clay (bateria)
Tracklist: 01. I’m Feeling Alright 02. Sometimes I Have a Heartache 03. Black Rat [Take 4] 04. Life Goes On 05. Everything Gonna Be Alright 06. Big Mama’s Bumble Bee Blues 07. Gimme A Penny 08. Looking The World Over 09. I Feel the Way I Feel 10. Guide Me Home 11. Black Rat [Take 2] 12. Wrapped Tight 13. Gimme A Penny [Take 5] 14. Big Mama’s Shuffle 15. Since I Fell For You 16. I’m Feeling Alright [Fast Version] 17. Big Mama’s Blues (My Love)

shine a light

The Rolling Stones - Shine a Light

Em 1973 eles já fizeram parte da trilha sonora do filme ‘Mean Streets’ (no Brasil ‘Caminhos Perigosos’) com as canções ‘Jumpin' Jack Flash’ e ‘Tell Me’, como em outros filmes também. Martin Scorsese nunca escondeu que é macaco de auditório dos ‘Rolling Stones’. Em ‘Shine a Light’, o cineasta resolveu mostrar a explosão dos ‘Rolling Stones’ nos dois dias de show no ‘Beacon Theatre’ de Nova York em 2006, como parte da turnê ‘A Bigger Bang’, a mesma que levou o grupo à praia de Copacabana (Brasil) no início do mesmo ano. Na relação rock star e fã, a afinidade é impressionante entre a genialidade de Scorsese e a performance de Jagger, parecem feitos um para o outro. A voz de Jagger e sua energia, calculada pelas reboladas, são um crescente no documentário, grandes momentos também do excêntrico Keith Richards, cantando com ou sem guitarra, e Ronnie Wood na guitarra havaiana no country ‘Far Away Eyes'. Sem contar com as participações mais do que especiais do bluseiro Buddy Guy, com sua guitarra de bolinhas pretas, em uma homenagem a Muddy Waters e Christina Aguilera mostrando que sabe quando o assunto é blues ou jazz.

Não se pode rotular ‘Shine a Light’ de monótono, idéia que partiu do próprio Mick Jagger, que sugeriu a Scorsese realizar o documentário. Desafio aceito, mas sem estádios e multidões, e sim um teatro. Os primeiros momentos são de entrevistas, montagem de palco, depois o documentário passa a mostrar o show e capta com perfeição as reboladas afetadas de Jagger, Keith Richards cuspindo o cigarro e até a piscadela do cantor de blues Buddy Guy para Jagger, ou quando é focalizado o rosto do bluseiro, com 71 anos, na introdução instrumental de ‘Champagne & Reefer’ até quando ele solta o seu poderoso timbre grave. Buddy poderia fazer parte dos ‘Rollings Stones’ tal a fantástica sintonia. O documentário é uma prova de que a banda continua forte e fazendo o que gosta, e com o toque especial de Scorsese.


the rolling stones & buddy guy - champagne and reefer


The Rolling Stones - Shine a Light (2008)

Shine a Light (2008)
CD 1    CD 2

Tracklist: CD 1
01. Jumpin' Jack Flash 02. Shattered 03. She Was Hot 04. All Down the Line 05. Loving Cup 06. As Tears Go By 07. Some Girls 08. Just My Imagination 09. Far Away Eyes 10. Champagne & Reefer 11. Tumbling Dice 12. Band introductions 13. You Got the Silver 14. Connection

Tracklist: CD 2
01. Martin Scorsese Intro 02. Sympathy for the Devil 03. Live with Me 04. Start Me Up 05. Brown Sugar 06. (I Can't Get No) Satisfaction 07. Paint It, Black 08. Little T&A 09. I'm Free 10. Shine a Light



delicatessen

delicatessenNão, não é a banda inglesa de indie-rock. Este é um grupo brasileiro que mescla jazz com bossa nova. 'Delicatessen' nasceu em Porto Alegre (RS) no ano de 2006 da vontade do publicitário Beto Callage em produzir um disco que combinasse o estilo intimista das cantoras de jazz dos anos 50 com a simplicidade refinada da bossa nova. Com o encontro do violonista Carlos Badia, da descoberta de Ana Kruger, uma cantora que cantava jingle e covers de rock mas, que reunia a delicadeza, o timbre e a doçura para cantar jazz, mesmo sem nunca ter cantado, mais a experiência dos excelentes músicos Nico Bueno no baixo, Mano Gomes na bateria, completaram o quarteto e o resultado foi um grupo leve, simples e delicado. Nos shows, contam com a participação especial de 'New' no piano.

A cantora Ana Krüger é das raras cantoras sem vibratos, a voz é cristalina, sem maneirismos, terna e sempre com o mesmo suingue. Ainda quando menina, tinha o desejo de ser cantora, e aos nove anos foi matriculada nas aulas de piano e teoria musical. Na mesma época, fez figuração em uma ópera, onde a mãe integrava o coro da orquestra. Com elegância e leveza, Ana retoma as doçuras e malícias das divas da canção americana temperado com o doce balanço da bossa nova. Com o inglês impecável e elegante, ela faz a diferença em 'Mickey', de Diane Nalini, e em 'Be Careful, It’s My Heart', de Irving Berlin. O primeiro CD ‘Jazz + Bossa’, lançado no Japão, conquistou os japoneses, sempre insaciáveis em relação ao jazz e à bossa nova. Na Itália, a música 'Black Coffee' está na coletânea 'Chill Out 3', lançada pelo 'Gruppo Editoriale L’Espresso', um dos mais importantes daquele país. Depois foi lançado o segundo CD, 'My Baby Just Cares For Me', onde o estilo intimista e refinado é mantido, inspirado nos clássicos das canções americanas de autores como Duke Ellington, Irving Berlin e os irmãos Gershwin. A palavra 'Delicatessen' é de origem franco-germânica e designa uma loja que vende especiarias, artigos finos, ingredientes importados. A semelhança é perfeita para o grupo gaúcho.

delicatessen

delicatessen - the touch of your lips


delicatessen - Jazz + Bossa (2006)    delicatessen - My baby just cares for me (2008)

Jazz + Bossa (2006)    |    My baby just cares for me (2008)

Tracklist: Jazz + Bossa
01. Angel Eyes 02. In a mellow tone 03. Black coffe 04. In a sentimental mood 05. You're getting to be a habit with me 06. The very thought of you 07. Do it again 08. I fall in love too eaily 09. I love the way you're breaking my heart 10. That's all 11. The touch of your lips 12. I'm through with love 13. Todos os dias 14. Setembro

Tracklist: My baby just cares for me
01. Don't Be That Way 02. Mickey 03. He's Funny That Way 04. My Melancholy Baby 05. Be Careful, It's My Heart 06. My Baby Just Cares For Me 07. You've Changed 08. Why Don't You Do Right 09. How Long Has This Been Going On 10. My Foolish Heart 11. Delicatessen 12. Amores Musicais

genesis

genesisUm dos mais bem sucedidos grupos de rock progressivo dos anos 70, 80 e 90, e que forneceu uma plataforma para o lançamento das carreiras solos de Peter Gabriel e Phil Collins. ‘Genesis’ teve suas raízes no ‘Garden Wal’, uma banda formada por Peter Gabriel (vocal), Tony Banks (piano) e Chris Stewart (bateria), e no ‘The Anon’, constituído por Anthony Phillips (guitarra solo), Mike Rutherford (guitarra base), Robert Tyrrel (bateria), Richard McPhail (vocal) e Rivers Job (baixo) no ano de 1965 na ‘Charterhouse Public School’ freqüentada pela alta classe média de Londres. Em 1967, Peter Gabriel, Tony Banks, Mike Rutherford, Anthony Phillips, e Chris Stewart uniram-se formando uma nova banda e gravaram canções escritas principalmente por Rutherford e Phillips. ‘Genesis’ foi o nome escolhido na intenção de dizer que se tratava de algo novo. O grupo lançou seu primeiro disco, ‘From Genesis to Revelation’ em 1969, cujo tema era a Bíblia, com a capa preta e ‘Genesis’ escrito em uma fonte gótica e verde no topo à esquerda, os arranjos musicais foram influenciados pelo trabalho de ‘Moody Blues’ e ‘Bee Gees’. Chris Stewart, que havia saído não participou do trabalho, em seu lugar estava John Silver. Vários estilos musicais influenciaram a banda, desde a música clássica ao rock e jazz. Tony Banks inspirava-se em Alan Price do ‘The Animals’, a primeira pessoa que o fez tomar conhecimento do órgão no contexto do rock, e também o organista Matthew Fisher do ‘Procol Harum’. As influências clássicas incluem Rachmaninov, Ravel, Mahler e Shostakovich. A banda é amplamente conhecida por duas fases musicais diferentes. Na fase inicial da carreira, na década de 70, suas estruturas musicais eram complexas, instrumentação elaborada e apresentações teatrais. Criações clássicas nesse período incluem a canção de 23 minutos ‘Supper's Ready’, além do álbum conceitual de 1974 ‘The Lamb Lies Down on Broadway’. A partir da década de 80, sua música tomou um caminho distinto em direção ao pop.

genesis

Tony Banks, Phil Collins, Mike Rutherford, Steve Hackett e Peter Gabriel

A presença marcante de Peter Gabriel nos palcos foi um dos fatores de sucesso da primeira fase da banda. Peter Gabriel deixou a banda em 1975. Após considerarem vários substitutos para Gabriel, decidiram que Phil Collins iria substituí-lo, mudando assim a forma da banda de um quinteto para um quarteto. Para surpresa de muita gente, Collins provou ser o vocalista ideal para a banda, já que havia quem achasse que a banda cairia na miséria sem Peter Gabriel. Entretanto, Collins tornou-se uma super estrela, ao manter paralelamente uma carreira solo. Phil Collins é geralmente criticado pela transformação da banda do rock progressivo para o rock comercial e pop, tocando o mesmo que ele desenvolveu em sua carreira solo. Collins abandonou o grupo em 1996. Banks e Rutherford continuaram e elegeram Ray Wilson para o substituir. ‘The Beatles’, ‘The Rolling Stones’ e ‘Simon and Garfunkel’ também afetaram o som da banda. ‘Buddy Rich’ e ‘Mahavishnu Orchestra’ foram influências para Collins, com Gabriel o ‘Genesis’ foi influenciado pela música de Nina Simone e ‘King Crimson’. As capas dos álbuns do grupo incorporaram uma arte complexa para refletir os temas presentes nas composições.

genesis - carpet crawlers


Genesis - Platinum Collection

Platinum Collection (2005)
CD 1    CD 2    CD 3

Tracklist CD 1
01. No Son Of Mine 02. I Can't Dance 03. Jesus He Knows Me 04. Hold On My Heart 05. Invisible Touch 06. Throwing It All Away 07. Tonight Tonight Tonight 08. Land Of Confusion 09. In Too Deep 10. Mama 11. That's All 12. Home By The See 13. Second Home By The See 14. Illegal Alien 15. Paperlate 16. Calling All Stations

Tracklist CD 2
01. Abacab 02. Keep It Dark 03. Turn It On Again 04. Behind The Lines 05. Duchess 06. Misunderstanding 07. Many Too Many 08. Follow You Follow Me 09. Undertow 10. In That Quiet Earth 11. Afterglow 12. Your Own Special Way 13. A Trick Of The Tale 14. Ripples 15. Los Endos

Tracklist CD 3
01. The Lamb Lies Down On Broadway 02. Counting Out Time 03. Carpet Crawlers 04. Firth Of Fifth 05. The Cinema Show 06. I Know What I Like (In Your Wardrobe) 07. Supper's Read 08. The Musical Box 09. The Knife

sade

sadeSempre quando um crítico quer descrever um artista pop com suavidade, descontração e sofisticação, com um som vagamente jazz, Sade é imediatamente lembrada. Desde que entrou para o mundo pop em meados dos anos 80, dezenas de bandas tentaram copiar o comedido estilo de sua banda. Em 1959, Sade nasceu Helen Folasade Adu em Ibadan, na Nigéria. Seu pai, Adebisi Adu, um nigeriano, era professor de economia, enquanto sua mãe, Anne, era uma estudante britânica de enfermagem. Uma mistura étnica impressionante que lhe deu um tom levemente marrom à pele e traços inequívocos de africana. Os pais se conheceram quando Adebisi Adu era um estudante de pós-graduação na ‘London School of Economics’. Sade, diminutivo de Folasade, nasceu pouco depois da chegada dos dois na Nigéria. Sade tinha quatro anos, quando se separaram, e, em 1963, ela, sua mãe e seu irmão voltaram para a Inglaterra. Eles viviam com os avós de Sade, enquanto a mãe terminava o curso de enfermagem. A família finalmente se estabeleceu em uma cidade de classe trabalhadora chamada Holland-on-Sea, onde, a maioria da população tinha mais de 65 anos de idade. Uma pequena e miserável cidade à beira-mar cheia de velhas senhoras, algodão doce e poodles. Sade e seus amigos encontravam consolo em clubes de dança nos arredores sombrios da cidade. Época em que Sade desenvolveu uma paixão pelo jazz, funk e soul.

Aos 17 anos, Sade partiu para Londres para estudar moda. Ao se formar, ela e uma amiga lançaram seu próprio negócio, projetar roupas masculinas. A empresa de design nunca se tornou muito rentável, e Sade completava sua renda, com trabalhos de modelagem, que ela não gostava. Enquanto isso passava o tempo, tanto quanto possível, em clubes de dança, onde ela mais se sentia em casa. A entrada de Sade no mundo da música não se realizou através de qualquer plano. Um popular grupo de funk londrino chamado ‘Pride’ estava procurando uma cantora de apoio. O empresário da banda achou Sade deslumbrante apesar da sua falta de experiência como vocalista. Ela fez o teste e foi inicialmente rejeitada. Quando ninguém mais apareceu durante as próximas semanas, a Sade foi dada a tarefa. Ela continuou a desenhar roupas, mas a música tornou-se seu hobby principal durante a noite. Como cantora de apoio, Sade rapidamente desenvolveu um estilo próprio e por sugestão do empresário do ‘Pride’, ela e alguns outros membros da banda ensaiavam com Sade como vocalista principal. Ela e o saxofonista Stuart Mathewman uniram-se para compor canções para o grupo dissidente, e, em pouco tempo, a banda ‘Sade’, recém-apelidada, foi ofuscando ‘Pride’.

sade

No mesmo ano a banda que agora incluía o baixista Paul Denman, o tecladista Andrew Hale e o baterista Paul Cooke, mais tarde substituído por Dave Early, assinou com uma grande gravadora. O álbum ‘Diamond Life’ saiu apenas cinco meses depois. Com uma exceção, todas as músicas do álbum foram escritas por Sade e Mathewman. E ‘Diamond Life’ subiu ao topo das paradas britânicas. Com a força do single ‘Smooth Operator’, o álbum se tornou um enorme sucesso nos EUA também e Sade recebeu o Grammy de melhor artista. ‘Promise’ de 1985 seguiu o mesmo caminho alimentado pelo single ‘Sweetest Taboo’. Durante oito meses a banda excursionou pelos Estados Unidos e Europa. Quando as turnês cessaram, Sade foi cercada por rumores de que ela estava deprimida por causa de um amor mal resolvido, ou viciada em drogas, ou que teve um colapso nervoso, ou a combinação dos três. Sua aversão ao público só deu espaço para os rumores se perpetuarem. Exausta, Sade se retirou da ribalta por um tempo antes de retornar em 1988, com um novo álbum, ‘Stronger Than Pride’. Como os primeiros dois álbuns, este foi um sucesso instantâneo, alcançando status de platina após apenas duas semanas nas paradas.

Depois de uma turnê mundial que incluiu Japão e Austrália, e concertos em estádios nos Estados Unidos, Sade sumiu, desta vez por um período ainda mais longo. Ela se mudou para a Espanha e sofreu com um casamento infeliz que durou um ano com o documentarista Carlos Scola. Após o rompimento Sade voltou para Londres. Lá, ela comprou uma velha casa que demoliu quase por completo, e construiu um estúdio de gravação totalmente equipado no porão. Remontou a banda e começou a trabalhar em seu próximo álbum, ‘Love Deluxe’, lançado em 1992. Apesar da ausência prolongada seus fãs não a tinham esquecido. A música ‘Love No Ordinary’, ganhou o Grammy e foi apresentada com destaque no filme de sucesso ‘Indecent Proposal’. Em 1995, Sade fez mais uma pausa na carreira, desta vez para ter um filho com seu parceiro Bob Morgan, um produtor musical. Enquanto ela concentrou-se em ser mãe, em Montego Bay, Jamaica, o resto da banda, trabalhando sob o nome ‘Sweetback’, lançou um álbum auto-intitulado. Enquanto isso, Sade concentrou suas energias e lançou ‘The Best of Sade’. E suas reaparições periódicas são saudadas com entusiasmo por seus milhões de fãs.

sade - kiss of life


Sade – The Best of Sade (1994)

The Best of Sade (1994)

Tracklist
01. Your love is king 02. Hang on to your love 03. Smooth operator 04. Jezebel 05. Sweetest taboo 06. Is it a crime 07. Never as good as the first time 08. Love is stronger than pride 09. Paradise 10. Nothing can come between us 11. No ordinary love 12. Like a taboo 13. Kiss of life 14. Please send me someone to love 15. Cherish the day 16. Pearls

elton john

elton johnElton John ou Sir Elton Hercules John é um dos mais importantes cantores, compositores e músicos do Reino Unido, e tão extravagante quanto talentoso. Desde que estourou na cena musical na década de 70, Elton John foi alternadamente adorado, abominado, elogiado e criticado. Ao mesmo tempo, sua imagem era a de ícone do glam rock com um inegável dom para a elaboração de memoráveis canções pop. Suas encenações espetaculares lhe renderam uma legião de fãs e uma renda generosa, mas também o empurraram para os holofotes da mídia com repórteres analisando a sua orientação sexual, seu luxuoso estilo de vida, seus vícios em drogas e álcool e o seu transtorno alimentar, a bulimia. Quando se aproximou da meia-idade, no entanto, John começou a fazer um balanço de sua vida e carreira, se desfez do glamour e do brilho excessivo, tanto no palco quanto fora dele, venceu suas dependências químicas e distúrbios e voltou à atenção para outras preocupações. Desde o início da década de 90 doou todos os royalties das vendas de seus singles para caridade, principalmente para a pesquisa da AIDS, tanto no Reino Unido quanto nos Estados Unidos. Seu comovente tributo a sua amiga Diana, Princesa de Gales, que morreu em um acidente de carro durante o verão de 1997, tornou-se a venda número um de todos os tempos, e os lucros foram destinados ao fundo de caridade criado em nome de Diana. John, também ajuda pessoas que se encontram na mesma situação em que ele esteve durante muitos anos como dependente químico. Ajudou o rapper Eminen a enfrentar seus problemas com as drogas. Como conseqüência, John finalmente foi capaz de colocar para descansar a imprensa negativa que o perseguiu no início de sua carreira.

John nasceu Reginald Kenneth Dwight no subúrbio de Pinner, Middlesex. Era uma criança acima do peso, usava óculos e era extremamente sensível. John embarcou em uma carreira musical no início dos anos 60, quando faltavam apenas duas semanas para os exames finais na ‘Royal Academy of Music’, ele abandonou a escola para perseguir seu sonho. Primeiro foi trabalhar para uma editora de música, onde atuou como mensageiro e servia chá. Para complementar sua renda, também tocava piano em bares e clubes e, finalmente, integrou o grupo de blues ‘Bluesology’. Foi durante este período que John montou seu nome artístico, uma combinação do nome do meio do vocalista do ‘Bluesology’, Long John Baldry, e o primeiro nome do saxofonista Elton Dean. Mais tarde acrescentou Hércules. Em 1968, através de um anúncio na revista de música britânica NME conheceu Bernie Taupin, que se tornaria seu colaborador nas composições. Em 1969, John lançou seu álbum de estréia, ‘Empty Sky’, que não trouxe em seu repertório nenhum sucesso imediato.

elton john

Começou então a trabalhar com produtores experientes do 'show business' e o lançamento do álbum ‘Elton John’, em 1970, o projetou como cantor de sucesso nos Estados Unidos e trouxe ao público um de seus maiores sucessos, a canção ‘Your Song’ em parceria com Bernie Taupin. Com Bernie seguiram-se diversos clássicos, ‘Daniel’, ‘Candle in the Wind’ (uma cativante ode à Marilyn Monroe), ‘Don't Let the Sun Go Down on Me’ e ‘Nikita’. O ano decisivo para John foi 1972, ‘Rocket Man’ foi o número um na América. Neste mesmo ano, John lançou a sua própria gravadora. Como as vendas disparadas, John cultivou um colorido, escandaloso e exagerado personagem com óculos bizarros e figurinos elaborados com strass e casacos de penas e foi apelidado de ‘Queen Mum of Pop’. E também viveu uma vida privada de luxo e excessos, que incluía uma frota de caros automóveis, várias casas luxuosas, e relacionamentos com homens e mulheres, todos contados em detalhes pela mídia.

elton john & bernie taupin

Elton John & Bernie Taupin

E John decidiu se aposentar do mundo da música e concentrar suas energias no time de futebol que ele havia comprado, o ‘Watford Football Club’. Na mesma época, ele admitiu publicamente a sua bissexualidade. A controvérsia que se seguiu teve seus efeitos pessoal e profissionalmente. A declaração realmente o machucou. Várias estações de rádio pararam de tocar seus discos e quando participou de uma partida de futebol do seu clube, vinte mil pessoas cantaram: Elton John é homossexual, tra-la-la. Para ajudá-lo a lidar com as pressões da fama e a dor da depressão, ele se voltou para o álcool e a cocaína, que usou e abusou por anos e anos. Em 1978, entediado e inquieto com o seu novo estilo de vida, John tentou voltar para a música pop e encontrar o colaborador certo provou ser uma luta. Mais uma vez, em 1983, juntou-se a Bernie Taupin. Durante as sessões de gravações do seu décimo sétimo álbum, ‘Too Low for Zero’, John conheceu a engenheira de som Renate Blauel com quem se casou. Menos de cinco anos depois, se separaram. Mais tarde John explicou que havia se casado para tentar se ‘curar’.

Os anos 90 viram John submetido a tratamento para o alcoolismo, abuso de drogas e bulimia. Uma vez que ele estava limpo e sóbrio, ele reconheceu publicamente sua homossexualidade e direcionou as suas energias e talento para ajudar os outros. Doou todos os royalties das vendas de seus singles na Inglaterra para a caridade. Dois anos mais tarde, ele fez o mesmo para os royalties de suas vendas individuais nos Estados Unidos. Em 1992, fundou a ‘Elton John AIDS Foundation’ para continuar a sua filantropia. Elton John cada vez mais conquistou o respeito como artista e humanitário. E acumulou vários prêmios. Pouco depois, em 1994, fez estrondoso sucesso com a trilha sonora do desenho animado ‘The Lion King’, produzido pela Disney.

elton john

Em 1997, no entanto, perdeu dois bons amigos em rápida sucessão o estilista Gianni Versace, assassinado em julho, e Diana, Princesa de Gales, que morreu em um acidente de carro no final de agosto. John apresentou uma versão retrabalhada de ‘Candle in the Wind’ no funeral de Diana que jurou nunca mais cantar em público novamente. Lançada como single em pouco tempo se tornou o mais vendido de todos os tempos. Elton John doou todos os proventos da gravação (US$ 47 milhões até o final de 1997) para o fundo de caridade criado em nome de Diana. O sucesso fenomenal de ‘Candle in the Wind’ fez com que John recebesse inúmeros prêmios e elogios. E para completar foi nomeado cavaleiro pela rainha Elizabeth II em 1998 por suas realizações na música e contribuições para a caridade. Em 2001, Elton John voltou a um estilo mais simples de compor, com o piano em primeiro plano. Em 2005, voltou a estampar as páginas dos tablóides depois de anunciar o seu casamento com o canadense David Furnish. O casal trocou alianças em uma cerimônia discreta com a presença apenas de familiares.

elton john - duets

Duets (1993)

Tracklist
01. Teardrops (with K.D. Lang) 02. When I think about love (I Think about You) (with P.M. Dawn) 03. The power (with Little Richard) 04. Shakey ground (with Don Henley) 05. True love (with Kiki Dee) 06. If you were me (with Chris Rea) 07. A woman's needs (with Tammy Wynette) 08. Old friend (with Nik Kershaw) 09. Go on and on (with Gladys Knight) 10. Don't go breaking my heart (with Rupaul) 11. Ain't nothing like the real thing (with Marcella Detroit) 12. I'm your puppet (with Paul Young) 13. Love letters (with Bonnie Raitt) 14. Born to lose (with Leonard Cohen) 15. Don't let the sun go down on me (with George Michael) 16. Duets for one

elton john - the greatest hits 1970-2002

The Greatest Hits 1970-2002
CD 1    CD 2    CD 3

Tracklist CD 1
01. Your song 02. Tiny dancer 03. Honky cat 04. Rocket man (I Think it´s going to be a long) 05. Crocodile rock 06. Daniel 07. Saturday night´s alright for fighting 08. Goodbye yellow brick road 09. Candle in the wind 10. Bennie and the wind 11. Don´t let the sun go down on me 12. The bitch is back 13. Philadelphia freedom 14. Someone saved my life tonight 15. Island girl 16. Don´t go breaking my heart (with Kiki Dee) 17. Sorry seems to be the hardest word

Tracklist CD 2
01. Blue eyes 02. I´m still standing 03. I guess that´s why they call It the blues 04. Sad songs (say so much) 05. Nikita 06. Sacrifice 07. The one 08. Kiss the bride 09. Can you feel the love tonight? 10. Circle of life 11. Believe 12. Made in england 13. Something about the way you look tonight 14. Written in the stars (with Leann Rimes) 15. I want love 16. This train don´t stop there anymore 17. Song for guy

Tracklist CD 3
01. Levon 02. Border song 03. Lucy in the sky with diamonds 04. Pinball wizard 05. True love (with Kiki Dee) 06. Live like horses (with Luciano Pavarotti) 07. I don't wanna go on with you like that 08. Don't let the sun go down on me (with George Michael) 09. Your song (with Alessandro Safina)

elton john - bennie and the jets



the instruments of classical music

Música
É definida, tradicionalmente, como a arte de combinar sons para obter efeitos expressivos. Pode também ser compreendida como a arte de combinar som e silêncio. A partir de experiências revolucionárias da música contemporânea admite-se até a música feita só de ruídos ou silêncio.

Música erudita ocidental
Assim como em outras culturas, no ocidente distingue-se a música popular, de bases coletivas, da música erudita, cujo código nem sempre é acessível a todos. Essas duas vertentes ora se tocam, ora se afastam, a ponto de uma criar transformações na outra. A história da música erudita ocidental está associada à Igreja, às cortes, aos salões da burguesia, às salas de concerto e às universidades.

Orquestra
Uma orquestra é um agrupamento instrumental utilizado, sobretudo, para a execução de música erudita. Pequenas orquestras são denominadas orquestras de câmara. Orquestras completas são chamadas de orquestras sinfônicas ou orquestras filarmônicas. Essas denominações denotam a maneira que é sustentada a orquestra. A orquestra filarmônica é sustentada por uma instituição privada, ficando assim a sinfônica mantida por uma instituição pública. Uma orquestra terá, tipicamente, mais de oitenta músicos, em alguns casos mais de cem, embora em atuação esse número seja ajustado em função da obra reproduzida. Em alguns casos, uma orquestra pode incluir músicos ‘free-lancers’ para tocar instrumentos específicos que não compõem o conjunto oficial: por exemplo, nem todas as orquestras têm um harpista ou um saxofonista.

Uma orquestra sinfônica dispõe cinco classes de instrumentos:
- as cordas (violinos, violas, violoncelos, contrabaixos, harpas)
- as madeiras (flautas, flautins, oboés, corne-inglês, clarinetes, clarinete baixo, fagotes, contrafagotes)
- os metais (trompetes, trombones, trompas, tubas)
- os instrumentos de percussão (tímpanos, triângulo, caixas, bumbo, pratos, carrilhão sinfónico, etc.)
- os instrumentos de teclas (piano, cravo, órgão)

Entre estes grupos de instrumentos e em cada um deles existe uma hierarquia. Cada secção (ou grupo de instrumentos) provê um solista (ou principal) que será o protagonista dos solos e da liderança do grupo. Os violinos são divididos em dois grupos: primeiros violinos e segundos violinos, o que pressupõe dois principais. O principal dos primeiros violinos é designado como chefe não só de toda a secção de cordas, mas de toda a orquestra, subordinado unicamente ao maestro, esse violinista é denominado ‘spalla’. Nos metais, o primeiro trombonista é o líder, enquanto que nas madeiras esse papel cabe ao primeiro oboísta.

The Instruments of Classical Music (1990)

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The Instruments of Classical Music Vol. 1 The Flute (1990)    The Instruments of Classical Music Vol. 2 The Oboe (1990)

The Instruments of Classical Music Vol. 3 The Trumpet (1990)    The Instruments of Classical Music Vol. 4 The Horn - Corno da Caccia (1990)

The Instruments of Classical Music Vol. 5 The Violin    The Instruments of Classical Music Vol. 6 The Cello

The Instruments of Classical Music Vol. 7 The Piano    The Instruments of Classical Music Vol. 8 The Organ

The Instruments Of Classical Music Vol. 9 The Harpsichord    The Instruments of Classical Music Vol. 10 The Guitar and Lute

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